Dada y el suicidio del arte

Dada representa toda una revolucion para el arte surge debido a un shock o situacion detonante la guerra.La actitud de los dadaístas puede parecer fatalista, pero esa destrucción marco un cambio radical en la manera de concebir y producir arte.A partir de Dadá todo es posible en el arte. , antes del Dadá las artes visuales -pintura, escultura, fotografía, etc.- poseían límites específicos con los cuales podíamos evaluar y juzgar al objeto de arte. Con Dadá las definiciones desaparecieron. Los dadaistas niegan cualquier tipo de norma estética, inventan un juego libre de formas y colores. Un grupo que prestó su voz para aquellos para quienes la desesperación no era una alternativa, sino un destino. Dadá terminó por ser una lógica de la caricatura.
Dadá fue conscientemente un callejón sin salida, por ser anti-él-mismo murió como tantos otros dadaistas por su propia mano.Los brutales excesos y el rechazo total de los valores, frente a la realidad de la guerra, hicieron del Dadá el ejemplo del suicidio como vocación. Cuando el arte se vuelve contra sí mismo, destructor y contraproducente, el suicidio se transforma en algo inevitable. En cuanto a la liberación artística fueron enormes las realizaciones dadaistas ayudaron a descubrir nuevas posibilidades para el arte en general. Su mérito innegable fue haber sido la negación que precede y engendra la afirmación. Destruyo para crear, para volver a nacer .

Metodologia y plan de trabajo

El metodo de trabajo se basara en la escultura en su mayoría: Desarrollare las ideas con bocetos investigando para crear una continuidad en la obra y una plasmación lo más exacta posible de los conceptos a desarrollar.Estos seran dibujos y maquetas a pequeña escala para solucionar los problemas técnicos y formales que se presenten.
Después concretaré los elementos adicionales, como objetos reales para representar las ideas suicidas, y fotografias elementos literarios que pueda incluir, y su ordenación en el espacio para que resulte un proceso coerente.
Buscaré mas información y documentación que necesito ya que la obra ha surjido casi de mi propia expresión,para poder expresar mejor y de forma más clara la idea que quiero presentar.Presentando posibles cambios para el mejor funcionamiento de la obra.

Para desarrollar lo que es el trabajo y llevarlo a cabo buscare materiales distintos que produzcan una estética de desecho, lúgubre, pasando de materiales mas duros a otros más blandos, pobres y efímeros para mostrar la degradación de la obra hasta su muerte (informandome sobre los procesos formales y materiales del arte povera).

Ya en la construccion creare las extructuras de las partes con un esqueleto de malla, que atienda a un estudio anatómico del cuerpo, y luego recubrirlo con los materiales. Por último detallaré la colocación del resto de elementos adicionales a la escultura, la presentación de la sala, la ordenación coherente respecto al espacio para crear un ambiente lúgubre e impactante que produzca extrañeza y un shock en el espectador.

Todo el proceso sera recopilado por documentación fotografica del proceso artístico, evaluación del resultado, he información de posibles cambios en el aspecto, simbología o concepto.

Desarrollo del proyecto

Primera fase:Seria el desencadenante del transcurso del aobra.Detonante emocional del artista y por lo tanto de la obra, esta ya no posee espectativas,no tiene nada por lo que luchar, la soledad,se separa del público y la vida, y se vuelve autorreferencial.
Aparece un torso abierto que muestra el corazón, aparece el torso encogidopara protegerse de los daños externos.y da la espalda al espectador que no comprende la obra( posibilidad de encerrarlo en un cubopara representar el aislamiento pero solo de varillas, y poner un espejo que es lo que el espectador vera de la parte delantera del torso para expresar la incapacidad del espectador de acercarse del todo a la obra y sus conceptos, solo tiene una visión distorsionada de esta) Tam bien cabe la posibilidad de emplear fotografia( tal vez que se unan al corazon con alambres) para expresar los detonantes antes mostrados para que ocurra el siguiente paso.

Segunda fase:
El artista lleva a la obra a un ámbito más sucio, perverso,autodestructivo, y aparecen las ideas suicidas que representa la negacion del arte por el propio arte(o artista) (DADA).
Lo expreso con una cabeza abierta donde se introcucen esas ideas del autohomicidio( mediante una extructura que tenga objetos reales que expresen suicidio o agresión (alambre de espino, bolsa cuchillas) la desespersción se expresa con unas manos de la obra que intentan sacarse las ideas de la cabeza.Pero no puede porque la mente ahora es selectiva y solo puede pensar o abarcar lo negativo.

Tercera fase:
Aparece el acto consumado ya solo queda la parte mas física de la obra, el cadaver, representado por fragmentos (las piernas y parte de la cadera el resto "del cuerpo esta deconstruido y quemado dejanlas cenizas que forman una espiral como símbolo del continuo renacer y morir del arte(simbolo usado por artistas de la tierra el arte efímero por escelencia.( Tal vez añada alguna frase o elemento que cierre el desenlace delaobra).

Analogía o metáfora con el cuerpo humano

La obra la concibo como una extensión del artista(propia) donde desarrollo mis miedos y esperanzas.Ya que la obra artística es un producto humano artificial, que se origina de las ideas, y nace de la acción del hombre he decidido representar la obra que muere ante las espectativas estériles de creación,sin una función en el mundo, como un cuerpo humanoide dividido en tres partes, según la concepción oriental del hombre.
Por lo tanto trato y desarrollo la obra como si fuera un ser vivo, que posee nivel fisico, seria la obra en si sus materiales ,emocional las emociones o estados anémicos que producenen el espectador, el nivel mental serían los conceptos que se exponen y el esfuerzo del espectador por comprender, nivel espiritual,la presencia de la obra su mortalidad, que da paso al recuerdoo la idea que capta el espectador.
Sobre la base de que la obra está viva la he dividido en tres Fases formadas por tres partes del cuerpo que representan, cada una uno de los niveles y su estado de desequilibrio:Un torso a corazón abierto, y encogido(nivel emocional intenta protegerse de los daños externos.Una cabeza con expresión desesperada apretada por dos manos con gesto de desbordamiento de ideas suicidas.Por ultimo la parte inferior del cuerpo como la parte más física, el cadaver después del suicidio que aparece desintegrandose en cenizas.

Tres vivencias

Mi primer viaje al extranjero:Una de las vivencias que no olvidaré fue la primera vez que viajé a un lugarfuera de españa.Era mi último año mde colegio y mis padres querian hacer un viaje con parte de la familia.No podía imaginar que el desti no escogido sería egipto,tenía cierta idea de lo que iba a encontrar una estampa de las piramides.Pero cuando llegamos se abrio ante mi un mundo diferente al que conocia , la gente las costumbres las ciudades todo era diferente.Las ciudades sobretodo la capital el cairo se extendian der forma caotica entre increibles monumentos.Conseguimos que un guia nos mostrara los templos, que me abrieron un mundo símbólico increible la mitología, donde aparecían personajes divinos alejados del hombre y que sin embargo poseian sus debilidades, sentimientos, y acciones llevadas al extremo.Hablaban de la muerte, la vida, el renacimiento, y los rincones mas oscuros del hombre,destinando estas narraciones para el aprendizaje del pueblo.

Después de esa experiencia comencé apensar en ideas que se alejaban de lo pregmatico o físico, mostrándome algo más alla de lo establecido por la razón.Me interesé por distintas tradiciones mitológicas que sin embargo parecían mostrar lo mismo con diferentes símbolos, y nombres, como si existiera en el munhdo una conciencia colectiva un patrón en el pensamiento.

Mi primer concierto de música extrema:
Desde hace tiempo me gustaba la música metal, pero fue en el instituto la primera vez que fui a un concierto de musica extrema.Ese año en Alicante se produjo algo inesperado,diversos grupos importantes del black metal noruego iban a dar conciertos.Sin pensarlo com´pre las entradas dispuesto a ir adivertirme y adescargar la negatividadcon sus ritmos frenéticos, su sonido tétrico y sucio, me hicieron disfrutar junto a un público frenético,donde descargabamos la ira el dolor las preocupaciones, llevándolo al plano físico mediante el baile y movimientos, dirigidos por dos grandes grupos del panborama Gorgoroth, y 1349.Cuando el concierto finalizó, habia ocurrido todo en un instante y comprendí que esta forma de expresión musical me ofrecía un desaogo, de descarga que me ayudaria en diversas ocasiones, descubrí una forma de expresion para expresar y sacar los sentimientos negativos sumergiendome en otra realidad, consiguiendo cierta liberación mental y emocional.

Filosofía Zen:
El lunes llegó mi madre a casa después de haber estado trabajando en un estan de peluquería junto otros de diversas disciplinas.Me contó que había recibido una especie de masaje japonés llamado shiatsu (presion con los dedos9, y comko yo tenía facilidad con los masajes me interesó.Más tarde me enteré de que habia un curso en murcia asi que no me lo pensé y comencé a recibir clases y a practicar.Lo que no esperaba es que iba a aprender muc has mas cosa, ya que esta disciplina comlleva una forma de vida conforme a la filosofia zen.
Me ayudo a desarrollarme personalmente, a adquirir disciplina,a conocerme a mi mismo y mis limitaciones, abriendo mji mente a nuevas formas de ver el mundo y a las personas,a aceptarme a conocer mis miedos a ser mas abierto, y sobretodo intentar desarrollar una actitud más positiva, y a aceptar lo negativo propio y de los demás.
Tambien me ayudó a expandir el pensamiento sobre el hombre y sus distintas facetas, la fisica,la emocional,mental y espiritual, procedentes de la vision de la medicina tradicional china.Y sobretodo me vi capaz de ayudarme a mi mismo y a otras personas con esta técnica.

introduccion inicial del proyecto

He decidido que el título del proyecto sea por ahora" suisad", buscando por internet encontre este termino que significa "tristeza del yo", que me parece más adecuado, y menos directo para denominar el autohomicidio.
La obra la he querido dividir en tres partes o ideas:

En un primer momento,he decidido desarrollar esta fase de forma escultórica (que podría incluir pintura, dibujo, fotografía etc...)para plantear el inicio o los detonantes que hacen que la obra llegue al suicidio, que seria una esterilización de la obra de arte, y de la vida en general donde el artista ya no tiene cabida, al alejarse de la vida la obra se vuelve autorreferencial, es decir habla sobre si misma, sobre su autohomicidio.Esta primera parte podría denominarse antes del suicidio, me gustaría darle un aspecto más acdabado o duro ya que es el inicio de el procesoque sigue la obra.
En un segundo estado plantearía la cumbre de pensamientos de autoagresión, o suicidas, me gustaría expresarlo de forma caótica como aparecen los pensamientos negativos que es en principio lo que no permite avanzar o buscar soluciones, ya que con este estado "depresivo" la mentese vuelve selectiva mostrandonos solo lo malo o negativo.lo representaría mediante un ambiente o atmósfera ( escultura...) pasando a una estética de lo sucio, el caos,la aglomeración... de forma que aleje al espestador de la obra.

En último lugar me gustaría plantear un final más abierto, que muestre una posivilidad de salvación alejándosede la imagen anterior hacia formas más bellas, tristes, pero no agresivas sino mas efímeras ya que se acerca su destrucción, pero no acaba ya que el arte aunque muera da lugar anuevos planteamientos artísticos, la obra cambia pero resurje de sus cenizas.(también usare la escultura, tal vez con algún escritoque desenlace el problema planteado).

Prácticamente lo que me ha motivado a escoger esta tematica era un vacío artístico en el que me encontraba, y cierto malestar que necesitaba expresar para liberarme, y el deseo de hacer una investigación del ciclo continuo de muerte y renacer del arte, y la idea de suicidio presente en numerosas obras y artistas pasando por el romanticismo y como no el dadaismo como negación suprema del arte, llevándola a su muerte, sabiendolo apriori, e incluso llevando la idea de destrucción y suicidio que llevaron a la realidad los propios artistas con su muerte en algunos casos mostrándola con cierto patetismo, o sátira.

die-go: Artistas

Artistas

Idea inicial:
La idea inicial del tema de mi proyecto surjió como reflejo de un profundo malestar, producido por la indecisión, y vacio artístico.Quería introducir la idea autodestructiva del suicidio mostrando diferentes patologías e impulsos emocionales que lo producen, pero viendo que este tema era demasiado subjetivo y duro, he decidido investigar sobre el desarrollo de esta idea en diferentes épocas artísticas, desde el clasicismo, donde la idea del suicidio era negativa y solo aparecía junto con ideas sublimes muy fuertes como detonante,el desarrollo en el romanticismo,y como no la propia agresión del arte al arte del dadaísmo,donde el arte se vuelve contra si mismo,destructivo y contraproducente frente a la falta de trascendencia de la epoca debido al derrumbe de la cultura europea después de la 1 guerra mundial,y posteriormente en el arte moderno se realiza una producción de un arte extremo, violento y autodestructivo.Sin embargo no quiero darle un planteamiento pesimista, para llevar adelante el proyecto necesito que la obra muestre cierta esperanza una vez planteado el problema, sino me alejaría de la creación hacia la destrucción.Todo ello lo desarrollaré con la investigación de este tema en distintas épocas, culturas, y ambitos artísticos.

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Goya:

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que da comienzo al Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.
Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina «de capricho» e «invención», inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.
Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.
Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.
Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas Negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

Las pinturas que realmenteme gustan y me impresionan de este autor son las realizadas de 1819-1823, mediante tecnica de oleo al seco sobre la superficie de revoco de la pared de su casa , la quinta del sordo.Para mi, estos cuadros suponen la obra cumbre de goya tanto por su modernidad como por su fuerza de expresión,es brutal ,directa sin adorno o sublimización.

Zdzislaw Beksinski (24 Febrero 1929 - 21 Febrero 2005) fue un reconocido pintor y fotógrafo Polaco.Nació en el pueblo de Sanok, en Polonia. Después de estudiar arquitectura en Cracovia, regresó a Sanok en 1955. Al terminar su educación, pasó varios años como supervisor de sitios de construcción, trabajo que odiaba. Fue en esa temporada en la que se interesó por la fotografía artística y fotomontajes, escultura y pintura. Su fotografía manejaba varios temas que después aparecerían en sus pinturas, presentando caras llenas de arrugas, paisajes y objetos con texturas resaltadas, que él buscaba enfatizar al manipular luz y sombras. Su fotografía también mostraba imágenes perturbadoras, como una muñeca con forma de bebé mutilado, cara arrancada, cuadros de personas sin cara, o con sus cabezas cubiertas con vendajes. Luego, se concentró en la pintura. Sus primeras pinturas fueron arte abstracto, pero a través de los 60's hizo sus inspiraciones surrealistas más visibles. En los 70's, inició lo que él llamó su "Periódo fantástico", que duró hasta finales de los 80's. Es cuando genera su trabajo más conocido, ambientes post-apocalipticos surrealistas, con escenas detalladas de muerte, decaídas, llenas de esqueletos, figuras deformes y desiertos. Estas pinturas eran muy detalladas, pintadas con precisión. Sus dibujos altamente detallados eran de tamaño grande, y podrían recordar al trabajo de Ernst Fuchs en el casi obsesivo detalle que buscaban. A pesar de los macabros tonos de sus pinturas, él mencionaba que estas pinturas eran incomprendidas. En su opinión, eran muy optimistas, hasta humorosas. Sus exhibiciones siempre fueron muy exitosas. En 1964, tuvo su primer exhibición exitosa, en la cual se vendieron todas sus pinturas. Gracias a Piotr Dmochowski, ganó gran popularidad en Francia en la década de los 80's, asi como en los USA y Japón. Beksinski eventualmente se lanzó a pintar con pasión, y trabajaba constantemente, siempre pintando mientras escuchaba música clasica. Pronto, se convirtió en la figura principal del arte Polaco. Antes de moverse a Varsovia en 1977, quemó en su jardin una selección de sus trabajos, sin dejar ninguna documentación sobre ellos. Explicó que eran "demasiado personales", y que no quería que otros los vieran.Su arte en los 90's consistía principalmente de una serie de cuadros surrealistas de personas, y una serie de cruces. Las pinturas en estas series eran menos detalladas que su "periodo fantástico", pero igual de poderosas. A finales de los 90's, descubrió las computadoras, Internet, y la fotografía digital, un medio en el que se concentró hasta su muerte. ESTILOBeksinski siempre concentró sus pinturas y dibujos en dos formas, que él llamaba respectivamente "Barroca" y "Gótica". La primera, dominada por representación, la segunda por la forma. MUERTESu esposa Zofia murió en 1998; un año después, en la navidad de 1999, su hijo Tomasz cometió suicidio. Beksinski fue quien encontró su cuerpo. Incapaz de lidiar con la muerte de su hijo, mantenía una carta con la frase "Para Tomek, en caso de que yo muera", pegada a la pared. El 21 de Febrero de 2005, fue encontrado muerto en su departamento en Warsaw, con 17 heridas con arma punzocortante en su cuerpo; 2 de las heridas fueron determinadas como fatales. Robert Kupiec (el hijo adolescente de la persona que cuidaba a Beksinski) fue arrestado junto con un amigo, y se declaró culpable. Kupiec fue condenado a 25 años de prisión. Antes de su muerte, Beksinski negó un préstamo a Kupiec, y se especula que fue la razón de su muerte. Aunque Zdizlaw Beksinski tenía contacto con muchos artistas, la única persona que enseñó fue Adrian Kedzia, artista que nunca consiguió la fama, y dejó de pintar por problemas de visión. TRIVIA- Nunca le ponía título a sus trabajos- Las tablas sobre las que pintaba eran especialmente preparadas por él- Aborrecía el silencio y siempre escuchaba música clásica mientras pintaba- Su hijo era fan de la banda The LEgendary Pink Dots. Después de la muerte de su hijo, los albums de la banda fueron adornados con arte digital de Beksinski, y dedicados a la memoria de Tomasz Beksinski. - Se rumora que sus trabajos tan perturbadores son representaciones de cosas que vió mientras estaba en un estado de coma. Sin embargo, Beksinski nunca sufrió de tal. - Es el único artista moderno Polaco que ha tenido una exhibición en el Museo de Arte de Osaka, en Japón.

Witkin, JOEL , 1939
Witkin fue técnico en un estudio especializado en el proceso Dye Transfer, y más tarde asistente en dos estudios fotográficos. Seguidamente trabajó como fotógrafo en el ejército.En 1967 decidió trabajar como fotógrafo independiente y actuó como fotógrafo oficial de City Walls Inc. de Nueva York. Posteriormente realizó estudios en la cooper School of fine Arts, de NY, donde obtuvo en 1974 el título de Bachelor of Arts. Después de haber obtenido una beca de poesía en la Columbia University, finalizó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico, con el título Master of Fine Arts. Actualmente enseña fotografía.Witkin alborotó la opinión pública en los años ochenta, con fotografías de personas deformes, partes de cadáveres y puestas en escena de acontecimientos de la historia eclesiástica que citan conocidas obras maestras. Muchos de sus trabajos hacen pensar en escenas del pintor El Bosco. Desde una posición marginal, ha logrado con los años establecerse en el mundo del arte reconocido.

yoshitaka kawakami: Artista japonés que plantea situaciones de agresión mediante el diseño o infografia digital